Bronzino - Cuadro favorito

Mi cuadro favorito desde que lo di en historia del arte:


Alegoría del triunfo de Venus, National Gallery de Londres.

Pintor italiano predominantemente áulico y uno de los más destacados representantes del manierismo.

MANIERISMO: El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento (ca. 1530) hasta los comienzos del período Barroco, hacia el año 1600.

Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.
El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales
Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.


La diosa del amor y la belleza es identificada por la manzana de oro -que le concedió Paris en el famoso juicio- que porta en la mano izquierda y la paloma de la esquina izquierda de la escena. En la mano derecha, Venus lleva la flecha que ha arrebatado a Cupido, el joven que la besa. A los pies de la diosa encontramos unas máscaras, posiblemente símbolos de la sensualidad, que representan la ninfa y el sátiro, levantando la vista hacia los amantes. El Placer Loco, el niño sonriente que lleva una pulsera en el tobillo, tira pétalos de rosa, sin interesarse por la espina que atraviesa su pie derecho. Tras el Placer se halla el Engaño, hermoso de rostro pero con un horrible cuerpo, ofreciendo en su mano un panal de dulce miel mientras que con la otra oculta el aguijón de su cola. En la zona izquierda de la composición se sitúa una oscura figura, considerada tradicionalmente como la representación de los Celos pero identificada en la actualidad como la Sífilis, terrible enfermedad que en el siglo XVI había adquirido proporciones de epidemia. Con todos estos símbolos, se considera que el significado de la composición se identifica con el Amor impuro que es gobernado por el Placer con la ayuda del Engaño, amor que trae dolorosas consecuencias. La figura del Olvido, arriba a la izquierda, sin capacidad de recordar, intenta cubrir la escena con un velo pero el Tiempo se lo impide.
Las frías figuras desnudas se destacan, como si de un esmalte o de mármol se tratara, sobre un intenso azul ultramar, renunciando Bronzino al fondo, de la misma manera que en los dibujos pintados para la fábrica ducal de tapices. La composición muestra la influencia de Miguel Angel, especialmente su famoso cartón que muestra a Venus y Cupido besándose, así como de algunas obras de Pontormo, el maestro de Bronzino. (Oleo sobre tabla)

http://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/8350.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Bronzino

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Mapfre- IMPRESIONISMO



90 grandes obras del Musée d’Orsay
Reinterpretación de este periodo de esplendor artístico que transformó definitivamente la manera de hacer y entender el arte: con Manet como hilo conductor, el Impresionismo aparece aquí presentado como la gran eclosión de la Modernidad que efectivamente fue, pero superando la visión tradicional que hacía de él una ruptura radical con la tradición y poniendo de relieve, por el contrario, cómo el entusiasmo de los impresionistas por la modernidad fue también compartido, a su modo, por otras corrientes pictóricas de aquel momento (academicismo, simbolismo, realismo…).



Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.



Avances que determinaron este movimiento fueron :

Impacto del ferrocarril, Impacto de la fotografía, Impacto del óleo en tubo, Impacto de la Naturaleza y de la Luz e Impacto del Tiempo

CARACTERÍSTICAS

-El paisaje como tema principal:Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.



-Técnica: Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada.

Color: Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.

Ausencia de perspectiva: Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano.



http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo
http://www.mapfre.com/fundacion/es/exposiciones/cultura/coloquio-impresionismo.shtml
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo.html

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Pinceles

PARTES DE UN PINCEL

Un pincel consta de varios ELEMENTOS:

MANGO:

Lo más importante es que pueda cogerse cómodamente con la mano. Su longitud depende del fin para que va destinado. En principio, podemos decir que el mango corto se usa para las técnicas de acuarela y diseño, y el mango largo para óleo o acrílico, aunque podemos usarlos indistintamente segun parezca más cómodo. El mango es de madera barnizada para protegerlo de los disolventes. Cuanto mejor es la calidad del pincel más capas de lacado lleva.

GRABADO:

El grabado que aparece en el mango determina el número o tamaño, la serie que hace mención al tipo de pincel, y la marca.Cuanto más alto sea el número, más gorodo y más pelo tendrá el pincel, también puede que afecte en cuanto al tamaño del mango.

FÉRULA:

La férula o virola, es la conexión del mango con el pelo. Las que corresponden a los pinceles más baratos son de lata y llevan junta de soldadura. Otra calidad son las de aluminio sin soldadura. Los pinceles de mejor calidad, disponen de una férula inoxidable de latón niquelado sin soldadura. Para una conservación duradera, deberá cuidarlos y mantenerlos siempre limpios.



EL PELO

Es el elemento más importante del pincel, cada tipo de pelo tiene sus propias características

PELO DE MARTA: Pelo de mejor calidad para los pinceles de acuarela. Este pelo garantiza un gran poder de absorción de agua y pintura, una excelente elasticidad que permite que el pelo vuelva siempre a su forma original, y posee gran resistencia que garantiza su larga duración. Su capacidad de absorción de agua permite pintar grandes superficies, y las características del mechón de pelo de marta que posee una punta afilada permite la realización de trabajos detallados, incluso para finos trabajos de pintura al óleo.

PELO DE OREJA DE BUEY: Este pelo procede del pelo de la parte delantera de las orejas del ganado vacuno y puede adquirirse en diferentes colores (negro, castaño y rubio). Normalmente se utiliza como alternativa económica a los otros pinceles de pelo suave, es razonablemente elástico y muy duradero. Los pinceles de este tipo de pelo pueden utilizarse practicamente para todo tipo de pintura.

PELO DE CERDA: Se hace a partir del pelo que crece sobre el lomo del cerdo. La región de origen determina la calidad del pincel. Los mejores son de China, mientras que el tipo europeo es el de inferior calidad, el pincel tiene las "puntas abiertas" que hace más suave la punta. Tiene como características más notables las de proporcionar pinceles de pelo áspero y muy elástico.

FORMAS DEL PINCEL

LENGUA DE GATO: Esta forma de pincel reúne las ventajas de un pincel plano y un pincel de punta redonda. Adecuado tanto para detalle como grandes superficies, permitiendo hacer contornos definidos

PALETINA: Los pinceles anchos o muy anchos, suelen ser de mango corto y se utilizan para dar grandes superficies de color, imprimaciones y barnices.

PINCEL PLANO: La longitud del pelo es al menos igual a la anchura. El modelo Interlocked o "cerrado por dentro", se forma por medio de dos haces de pelos sometidos a un proceso que les da una forma curvada, de tal modo que uno se inclina hacia el otro, los pelos de un Interlocked tardarán más en separarse que los de un pincel plano normal.

PINCEL DE PUNTA REDONDA: Este modelo sólo se puede hacer de tipos de pelo suave o de poliéster. Los pelos en el centro del pincel son más largos que en el exterior. Es muy utilizado para trabajos finos y de detalle.


(Clase Teóricade Juan, Técnicas pictóricas, y http://www.manualidadesybellasartes.com/pinceles.html)

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Pigmentos


Los pigmentos pueden ser orgánicos o inorgánicos.

Los INORGÁNICOS son naturales (a partir de minerales , Blancos: caolín, la creta, el yeso...) y éstos pueden ser Nativos-Tierra (Arcillas de silicatos de aluminio
teñidas con hidróxidos férricos,ocre, siena, sombra…) o Artificiales o sintéticos (No se encuentran en la naturaleza, se fabrican. Producidos por reacción química sobre
metales. Son los más estables y sólidos. Blanco de plomo, blanco de zinc, amarillo
de Nápoles,Azul de Prusia, azul cobalto, azul cerúleo…)

Los ORGÁNICOS son Naturales (Derivados de vegetales o animales. Sangre de dragó, epia, carmín de cochinilla,…) o Sintéticos (Proceso sintético, derivados de los hidrocarburos, como anilinas. Poco fiables con excepciones)

INORGÁNICO ARTIFICIAL: Blanco de titanio, blanco de zinc, amarillo cadmio, rojo de cadmio, verde opaco, verde esmeralda, azul ultramar y azul cobalto
ORGÁNICO SINTÉTICO: carmín de garanza y negro humo
ORGÁNICO ANIMAL: negro marfil
INORGÁNICA MINERAL: ocre y tierra siena tostada

Los pigmentos pueden dividirse según su uso en la Historia en cuatro grupos:

Pigmentos utilizados desde la Antigüedad más remota hasta hoy: las tierras coloreadas y los negros.

Pigmentos antiguos que ya han dejado de utilizarse reemplazándose por otros más estables: el ultramar y el bermellón naturales.

Característicos de un periodo restringido de la historia: el amarillo de plomo y estaño, el resinato de cobre, el esmalte, etc. Importantes para datación y autentificación.

Pigmentos de la era industrial, a partir de finales del siglo XVIII: el azul cobalto, el azul de Prusia, los violetas, verdes y azules de ftalocianina, los pigmentos cormos y de cadmio, el litopón, los blancos de cinc y de titanio, etc.


(http://html.rincondelvago.com/restauracion_7.html y apuntes de Raquel Abad en clase de introducción al color (Aranjuez 2010))

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Técnicas Pictóricas



AGLUTINANTE: son compuestos moleculares que se mezclan con los pigmentos formando suspensiones.

Según su naturaleza química, los aglutinantes orgánicos pueden clasificarse en :

Lipófilos: de baja polaridad y constante dieléctrica pequeña. Antiguamente se llamaban “grasos” y constituían las pinturas óleo - resinosas.


Hidrófilos: muy polares y de elevada constante dieléctrica. Tradicionalmente se denominaban “magros” y formaban las pinturas al temple.


Emulsiones: de naturaleza mixta, compuestas por la mezcla de sustancias de los grupos anteriores y un emulgente, con una parte polar y otra apolar.


(http://html.rincondelvago.com/restauracion_7.html)

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Retrato 2



























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Texturas



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Retrato Artístico






























Quería simbolizar la importancia de todo mi alrededor en mi, yo, situada en el centro, con mis ojos, siendo yo misma, visdualizo mi alrededor, en el fondo con mi gente, nombres de las personas de las que me intereso dia a dia, y que me importan demasiado, en mi pelo, en mi cabeza, millones de noticias que pasan a mi alrededor diariamente, y en mi cara, exactamente mi cuello y barbilla, tonos y pieles de gente que veo todos los dias, como compañeros, amigos, familiares...
Quería representar de esta forma lo que me rodea.

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Arte del SXX



Vicente Alemany Sánchez-Moscoso, "Arte del siglo XX: apuntes a principio de un siglo", Biblioteca de Humanidade.Publicaciones del departamento de filosofía de la U.N.E.D

Me gustaría realizar un estudio íntegro de éste libro, ya que me ha resultado interesante la transición de todo este siglo.

La modernidad fue cumbre en momentos de máxima efervescencia social, política y cultural, clima propio de la vanguardia. Para que una propuesta se considerase nueva y vanguardista debia de negar radicalmente las propuestas anteriores. La necesidad de renovación y ruptura es una de las circunstancias que hace dificil la interación de la historia del arte de este siglo.
Las vanguardias defendían un comportamiento creativo vinculado al concepto de modernidad, asociado con el de progreso. Los pintores del S XIX estaban comprometidos con el desarrollo social de su época.
En París, los primeros años, surge el cubismo a partir de una serie de aportaciones, Picasso es el principal percusor de este movimiento.
En Alemania surge el expresionismo, con Kandinsky y en Holanda con Mondrian.
Futurismo, Dadaismo y Surrealismo son otros de los movimientos de las vanguardias característicos de este siglo.
Alemany realiza un estudio profundo de Marcel Duchamp, artista moderno de este siglo, y de sus obras principales, "desnudo bajando la escalera", "el gan vidrio" y "eart doné"

Se trasladó la capital cultural de París a Nueva Yorkhecho decisivo para el arte moderno. Desde 1945 hasta la actualidad, tras la apertuda del MOMA, aparece el expresionismo abstracto americano, cuyos antecedentes eran Miró y Picasso, y los artistas de este movimiento más a resaltar fueron Pollock y Kooning.

A partir de 1960 surge la segunda generación de pintores americanos, el Neodadaismo, que produce una ruptura conceptual respecto a los prespuestos de la vanguardia anterior. Pop art, nouveau Realisme, Body art son algunos de los movimientos de estos años.

El desarrollo final del movimiento moderno vino de la mano de la escultura y estaba en sintonía con la última generación de la pintura vanguardista americana.

Y en la última parte del libro se centra en la arquitectura, un paso "rápido" por el siglo, desde Mies Van Der Rohe, pasando por Brancusi en la escultura acaba centrandose en las respuestas americanas: el postminimalismo, land art y arte conceptual. Y las respuestas europeas: Fluxus, arte povera y accionismo vienés.

Me ha venido realmente bien el libro para ampliar mis conocimietos acerca de todo el arte del siglo XX, aparte de la pintura, en la que se centra mayoría del libro, toca temas como la escultura y la arquitectura que me parece que realemnet van ligadas la mayoría de las veces a la pintura, una evolución por todo el siglo explicada como si una o varias clases de este profesor se tratase.
Leí el libro por gusto, siempre me llamo la atención desde que supe la existencia de él, y no me arrepiento para nada, es mas, me lo leeré de nuevo.

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Cartas a Théo



Vicent Van Gogh "Cartas a Théo" Editorial Alianza

Serie de cartas del artista a su hermano que construye la evolución pictórica y espiritual de éste. Desde decepciones hasta esperanzas sin haber sido reconocido artista, las cartas recorren cronologicamente su vida.
Esta frase recoge muy bien una parte con la cual mequedo del libro: “Me gustaría, a través de un cuadro, expresar algo consolador tal y como ocurre con la música”. Continuamente toca pintores como Delacroix, Raubens, Renoir, Goya, Seurat.. Me parece realemnte interesante cómo habla, además de él, de lo que le influye a su alrededor, ya que se puede observar como y porqué es necesario que un artista observe su entorno.
"nada de punteado, nada de vetas, nada, tintes planos pero que armonizan", refiriendose al cuado del dormitorio, es una frase que puede resumir muy bien la técnica pictórica y los pensamientos Vicent acerca de sus obras.

Es un libro que estoy segura de que si lo vuelvo a leer en unos años cuanod sepa más acerca de la pintura comprenderé mucho mejor porque trata demasiados temas interesantes sobre los que no tengo mucha idea, por ejemplo pinceladas, tipos de colores, sensaciones que se intentan transmitir... Aún así, lo que he llegado a entender, que a sido una gran parte, me ha resultado demasiado interesante, aparte de ser un buen pintor, me parece maravillosa la manera que tiene de escribir, y realmente valiosas las cartas hacia su hermano, ya que gracias a ellas se sabe mucho más acerca de este gran artista.

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Exposición de clase

BARROCO

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.



Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica.
El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos.



Las obras barrocas están dotadas de un profundo naturalismo. El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.

Predomina el color y la luz sobre el dibujo, y busca los efectos de contraste que producen las luces y las sombras, con una técnica que se llamará tenebrismo. El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. Da a las obras un rabioso naturalismo. El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano. El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva estética. Si en el tenebrismo se aboga por el naturalismo en el eclecticismo se hace por el idealismo


Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio,[4] Rembrandt,[5] Rubens,[6] Velázquez, Poussin,[7] y Vermeer.[8]

ITALIA



Caravaggio, es el creador y divulgador del tenebrismo, Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro;

ESPAÑA



el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Velázquez. El barroco es para España la época de oro de la pintura.
Su técnica preferida es el óleo, aunque utilizan todas. Al igual que en Italia, la pintura se debatirá ente el tenebrismo y el eclecticismo
Riabalta, Ribera, Murillo
Zurbarán Trata de conmover desde la sencillez. Es un pintor adicto al tenebrismo, con el que consigue modelados muy plásticos
Velazquez Hace grandes avances técnicos, como la resolución de la perspectiva aérea

FLANDES



RubensTiene obras que glorifican a la Iglesia triunfante, como El descendimiento, o El levantamiento de la cruz, en las que la composición diagonal remarcan la teatralidad, pero junto a esas obras tiene escenas profanas, de temática mitológica, en las que utiliza el desnudo, como Las tres Gracias.
Rembrandt Utiliza el claroscuro tenebrista de una manera muy acusada Sus obras respiran espiritualidad. Pinta retratos de la sociedad,

TECNICA
Dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco: realismo, trampantojos, naturalismo, dinamismo, tenebrismo, eclecticsmo, claroscuro

LUZ
La luz dibuja o difumina los contornos, matiza los colores
COLOR
Predomina obre la línea

MOVIMIENTO
Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica

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Wassily Kandinsky "de lo espiritual en el arte"


Wassily Kandinsky, "de lo espiritual en el arte", editorial Premia, Quinta edición, 1989 México.

Kandinsky fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.
El libro está dividido en capitulos, con una pequeña introducción a lo que se va a ver posteriormente. En el primero, "el movimiento" representa la vida espiritual como un triángulo agudop dividido en tres partes, al ir descendiendo cada vez mas ancho que grande, el cual dividido en partes en las que se hayan artistas. Compara este triángulo con la organización del mundo del arte.
En el segundo clasifica las seccionesdel triángulo, compara este rumbo con cosas materiales y posicciones sociales y políticas. Se centra en "El arte se nutre del resto de artes" Maeterlnck (literatura, introduce un mundo fatástico y sobrenatural), Wagner (Músico, caracteriza al héroe con medios musicales) Debussy (crea impresiones tomadas de la naturaleza y transformadas en imagenes musicales, la naturaleza es el objetivo de sus creaciones) y en la pintura, artistas como Picasso, Rosseti, Segatini, Cézanne, Matisse son el centro de atención de este arte.
En el tercero el arte busca su sitio, puede aprender de otra arte sirviendose de sus medios para utilizar los suyos. referencia del pasado a la actualidad, ahora diferentes artes encuentran su espacio y medios de expresión exclusivas, una serie de artistas, actos, y procesos construyen una pirámide espiritual, la cual compara con el avance del tiempo.
Compara dos parámetros del color, el efecto físico (busca hechos, vivencia, atracción) con el psicológico (el arte debe de ser entendido)y produce un acercamiento de las personas con el arte, formas, composición y color crean experiencias diferentes para cada una de las personas, dependiendo del momento, sentimientos, estados de cada una de ellas.
En el capitulo cinco, tres factores influyen en el arte, la presonalidad, la época y lo puramente artístico.
El capitulo sexto lo dedica a una "comnversación con el artista" cuadro-espectador y en el últimodeja claro quien es el artista y qué la obra.

El libro es realmente interesante, demasiadas metáforas y un poco difñicil de leer, para leerlo tranquilamente. Lo conociá desde hace ya unos años, y siempre había tenido ganas de leer cosas de este artista, pero tenía entendido que era demasiado difícil hace unos años, y me a resultado interesante leerlo ahora.

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Veladuras



La veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se transparente la capa inferior, así el color que veremos es el resultado de la mezcla del color inferior más el de la veladura.

Para realizar una veladura es necesario que la capa inferior esté perfectamente seca. Dicha capa inferior puede ser de óleo o de acrílico, pero nunca debe hacerse al contrario, es decir, no debe pintarse acrílico sobre óleo. En la antigüedad se utilizaba frecuentemente una base de temple sobre la que, una vez seca, se iban añadiendo las sucesivas veladuras de color al óleo. La transparencia y profundidad conseguida asín dan una calidad inimitable a las obras pintadas enteramente siguiendo esas técnicas.

Para adelgazar la pintura se deben usar medios sintéticos, especialmente concebidos para este uso. No conviene usar aceite de linaza porque resbala el color y se puede mezclar en otras zonas.

El óleo trabajado a base de veladuras es la técnica de pintar que más se utilizó en el Renacimiento. También fue frecuentemente utilizada por artistas posteriores. Rembrandt, por ejemplo, finalizaba sus cuadros con numerosas veladuras de color transparente sobre la base seca.

(http://es.wikipedia.org/wiki/Veladuras)

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Apunte Rápido



Apunte realizado en una clase, 3 horas

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Bodegón Complementarios






Éste bodegón de complementarios tiene una gran dificultad, además de dar forma a los objetos, hay que contrarrestar los colores, es decir, poner los complementarios en vez de los reales que vemos.
Por ejemplo, con los verdes los magentas, con los azules los naranjas....
En la entrada de la clase teórica de complementarios investigaré más acerca del tema.

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